디자인 접근 과정에서 나타나는 이성과 감성적인 요인 연구
- 모던 디자인 변천 시기, 1920~1980년을 중심으로 - 김 경 수†
제주국제대학교 예술학부 디자인학과
A Study of Reasonable and Sensitive Elements in Design Approaching Process
- Focused on Transition Period of The Modern Design, 1920~1980 Year -
Kyoung Soo Kim
†Department of Design, Jeju International University, Jeju 690-714, Korea
Abstract: 20th century, beginning of modern, the style of art and design, separated reasonable and sensitive code. Art form including cubism, constructivism, futurism and different form in- cluding fauvism, expressionism, surrealism and abstract expressionism coexist two code in early modern. But the style of design was separated each period with geometric and organic form, reasonable and sensitive code. Replacement timing on two design style was the transition period of the production-oriented step to the sale-oriented step in marketing. In early stage modern it was stable production-oriented step. Geometric style include G. Rietvevld (Red and Blue chair), M. Breuer (Wassily chair), Fanizon and Martinelli (I-Ching) was simple and functional, re- ceived the absolute support. An aggressive demand generation and sales promotion for the de- sign change was needed so that excess supply in the market with a stable production. In sale-oriented step for sales promotion in mid modernism, it was accepted transitions to the sen- sual organic volume with elegant and sleek style include C. Eames (LCW chair), V. Panton (Panton chair) and C. Mollino (Arabesco Tea table).
Keywords: perception, reasonable, sensitive, geometric, organic
1. 서 론
1)
1.1. 연구 배경 및 목적
미술사에는 항상 이성적인 표현과 감성적인 표 현은 공존하고 있다. 현실 묘사의 난제를 이성적으 로 해결한 르네상스 전성기와 부조화와 감성, 상상 력을 발휘한 마니에리즘, 신고전주의의 앵그르와 들라크루아, 낭만주의의 콘스터블과 터너는 서로
2015년 8월 14일 접수; 2015년 10월 1일 수정; 2015년 10월 12일 게재확정
†교신저자 : 김 경 수 ([email protected])
극명하게 대비되는 표현임에도 불구하고 동시대에 공존했다. 산업혁명 이후 대량생산 시기가 본격화 되었던 20세기 초부터 디자인 양식은 이성과 감성 적 전개방식을 수용하는 스타일과 시기가 뚜렷하 게 구분되었다. 이성과 감성적 전개는 어느 한쪽이 두드러지는 양식일 뿐, 이성과 감성, 하나만 존재 할 수는 없다. 이성적인 예술이 위세를 떨쳤던 시 기일지라도 감성적인 예술은 존재했고 감성적인 예술의 전성기에도 이성은 존재했다. 20세기 초 모 더니즘이 시작하면서 모든 시각예술과 디자인은 이성과 감성적 존재를 조화시키지 못하고 어느 한
쪽으로 편향하는 기현상을 보인다.
1920년부터 1980년까지의 디자인 양식사에서 모던 스타일은 이성과 감성이 공존하지 않았다. 이 시기의 모더니즘 미술은 실험적인 추상의 과제로 이성과 감성의 공존을 버렸고 디자인 역시 초기에 는 산업화라는 거대한 목표에 따라 양산과정에만 몰두하여 이성적인 개념만 고집했고 중기에는 마 케팅을 위한 감성적 전개 방식만 추구했다. 이성과 감성적인 개념을 정리하여 미술사와 디자인 양식 사에서 이성과 감성적인 표현 기법은 무엇이며 이 성과 감성적 전개 방식의 편향 요인을 알아본다.
이성과 감성적인 개념 가치의 변화를 원하는 시장 의 요구는 무엇이며 대중의 욕구가 변화하게 된 배경에 대해서도 조사한다.
1.2. 연구범위 및 방법
미술이나 디자인 양식사에서 이성과 감성적인 개념을 먼저 알아본다. 인간의 뇌수술을 시도한 1930년대 이전에는 이성과 감성이라는 구분이 없 었고 스페리의 ‘분할 뇌 연구’로 우뇌와 좌뇌의 기 능을 알게 된 것도 1960년대이다. 좌뇌는 언어, 계 산, 논리, 분석 등을 관장하는 이성적 기능이, 우뇌 는 사람의 표정을 읽거나 감정을 느끼고 직감을 통해 전체를 파악하고 이미지를 만드는 감성적 기 능이 있다. 이런 인간의 이성과 감성적 성향이 미 술이나 디자인 양식사에서 어떤 표현이나 특징으 로 전개되는지 시대별, 양식별 대표적인 작품을 중 심으로 조사, 분석한다.
미술사의 범위는 종교와 정치적인 규제에서 비 교적 자유로웠던 르네상스 이후부터 모더니즘까지 이며 디자인 양식사의 범위는 초기 기하학적인 모 더니즘 디자인의 기반이 조성된 1920년대부터 후 기 유기적인 모더니즘이 약화되고 포스트모더니즘 의 조짐이 나타났던 1980년까지이다. 이성과 감성 적인 미술의 유행 시기와 디자인 개념이 형성된 전후 관계와 이성과 감성적 요인이 전개된 산업적 배경과 인지적 특성도 포함한다.
연구 방법으로 미술사는 산업혁명을 주도했던 유럽 선진국을 중심으로 이성과 감성적 디자인 개 념에 영향을 미친 미술사와 디자인 양식사를 비교,
정리한다. 미술사는 신조형주의부터 미니멀 아트 까지, 디자인 양식사는 기하학적인 모더니즘과 유 기적인 모더니즘과 관련해서 신조형주의 ‘데 스틸’, 독일공작연맹, 바우하우스, 미니멀 디자인, 야수주 의, 초현실주의, 추상표현주의, 스칸디나비안 디자 인, 크랜브룩 아트 아카데미, 자동기술법 등 이성과 감성적 성립 배경과 양식적 특성을 알아보고 전후 하여 파생된 미국의 ‘스트림라인(streamline)’, 아트 퍼니처, 키치적 개념을 포함하여 조사한다. 또 가 치의 변화를 원하는 마케팅 환경과 대중의 욕구가 변화되는 인지적 특성에 대해서도 조사하여 디자 인 양식사와의 관계도 정리한다.
2. 이성과 감성의 개념과 미술사에서 나타난 표현기법
2.1. 이성과 감성의 개념
이성(reason)의 사전적 의미는 ‘개념적으로 사유 하는 능력’을 말하며 감각적 능력에 상대하여 이르 는 용어이며 철학적 의미로는 ‘진위, 선악을 구별 하여 바르게 판단하는 능력’ 혹은 ‘절대자를 직관 적으로 인식하는 능력’이다. 감성(emotion)은 ‘자 극에 대하여 느낌이 일어나는 능력’이며 ‘감각적 자극이나 인상을 받아들이는 성질’을 말한다. 심리 학적으로 ‘이성에 의해 억제된 본능’ 혹은 ‘오감이 외계로부터 자극을 받고 반응하는 감수성’을 의미 한다. ‘이성으로의 귀환’을 주장한 르네상스 이후 신고전주의까지의 미술에서는 이성과 감성적 화풍 은 작은 시차가 있거나 동시대에 공존했다. 그러나 모더니즘이 시작되는 20세기 초에는 이성과 감성 이 분리되어 부조화된 예술과 디자인 양식이 나타 난다. 과학적 발명으로 산업혁명을 이룩한 초기 모 더니즘은 이성중심 시대였고 ‘프로이드’의 영향을 받은 오토마티즘에 의존하는 초현실주의와 ‘소프 트 파워’를 중시하는 후기 모더니즘은 감성중심 시 대이다. 18세기까지 유럽의 철학은 ‘이데아’의 포 착을 절대적 선(善)으로 생각한 이성적인 판단이 압도적이었으나 칸트(Immanuel Kant, 1724-1804) 의 ‘순수이성비판’, ‘실천이성비판’, ‘판단력비판’을 통해 경험에만 사로 잡혀 사물을 본질을 파악할
Picture No/Artist/Title/Year Picture No/Artist/Title/Year
01 Masaccio/
Holy Trinity/
1425-1428
06 Tintoretto/
Finding of the body of St Mark/
1548
02
Leonardo Da Vinci/
The Mona Lisa/
1503-1506
07 El Greco/
The Opening of the Fifth Seal/
1608-1614
03
Michellangello/
Piazza del Campidoglio/
1538-1564
08
F. Borromini/
St. Agnes Church/
1653
04 A. Ingres/
Portrait of the Princesse De Broglie/
1853
09
Eugène Delacroix/
La Mort de Sardanapale/
1827-1828
05
John Constable/
The Hay Wain/
1821
10 Turner/
Rain, Steam and Speed, The Great Western Railway/
1844
Table 1. Reasonable and Sensitive Expression before Modernism
수 없다고 주장한 이후 감성의 존재, 즉 ‘관념론’에 관심을 갖게 되었다.
20세기 초에 발표된 프로이드(Sigmund Freud, 1856-1939)의 정신분석이론으로 의식은 원초아(id), 자아(ego), 초자아(superego)로 구성되었고 원초아 (id)는 성격의 가장 원초적인 부분으로 자기만족만 을 추구하는 쾌락 원리에 의해 작용하며, 원초아의 충동은 주로 성적 본능과 공격적 본능이란 것을 알 게 되었다. 또 자아는 원초아와 초자아를 모두 부 분적으로 만족시키는 타협점을 찾으려 하며 현실원
칙에 따라 행동함으로써 원초아와 외계와의 매개 역할을 하여 현실에 맞추어 원초아의 활동을 이성 적으로 지배한다고 하였다. 원초아는 본능, 기본적 욕구이고 감성 기능이며 초자아는 경험, 학습에 의 한 통제이고 이성 기능이라 할 수 있다.
2.2. 르네상스부터 신고전주의까지의 미술 레오나르드 다빈치, 미켈란젤로와 같은 르네상 스 예술가들은 사물의 객관적 정확성을 표현하기 위해 절대적인 원칙이나 표현 방법을 원했다. 이들
이 르네상스시기에 발견한 원근법과 명암 대조법, 황금비와 피라미드 구도는 모더니즘 이전 미술사 에서 절대적인 대원칙이었고, 가장 아름다운 비례, 황금비(Golden Cut)는 회화와 조각분야를 너머 건 축분야에까지 영향을 주었다.
르네상스의 창시자인 마사초의 <성삼위일체>
(Table 1, 01)는 선 원근법(linear perspective)과 명암 대조법을 사용하여 평면적인 화폭에서 3차원 의 효과를 보여준다. 레오나르도 다 빈치의 <모나 리자>(Table 1, 02) 역시 머리 뒤에 소실점을 두어 모든 선들이 집중되는 원근법과 윤곽선에 의지했 던 이전의 작품들과는 다르게 명암 대조법으로 3 차원적 착시효과로 인물과 배경을 사실적으로 묘 사하고 있다(캐롤 2013). 르네상스 종교화와 조각 에서 뛰어난 작품을 남긴 미켈란젤로는 말년 건축 분야에도 천재적인 업적을 남긴다. <산 피에트로 대성당> 재건사업 때는 일생 동안 추구해온 인체 의 아름다움 재현에 사용한 인체 비례를 건축 구 조에 적용했으며 카피톨리누스 언덕에 세워진 <캄 피도글리오 광장>(Table 1, 03)은 금기시되었던 타원형을 과감하게 사용하고 건축물을 평행선에서 18도를 틀어서 인위적으로 원근법을 만들어 거대 한 광장으로 보이게 만들었다.
르네상스 말기인 1520년부터 1600년 사이, 조화 와 우아함, 안정과 균형, 이성과 재현으로 과장된 아 름다움과 장엄함을 추구한 르네상스 대가들과 대조 적으로 부조화와 불균형과 무질서, 감성과 상상력에 의존한 마니에리즘(Manierism)양식이 나타난다. 틴 토렛토의 <성 마르코의 유해 발견>(Table 1, 06)은 화면의 불균형과 대각선의 구도, 극적인 명암 대비, 혼란스러운 구성으로 마니에리즘의 특성을 보여준 다. 스페인 르네상스의 화가로 활약한 엘 그레코의
<요한 묵시록의 다섯 번째 봉인의 개봉>(Table 1, 07)에서도 비정상적인 긴 인체, 폭풍우 같은 빛, 강 한 색채와 비틀린 동작에서 동적이고 긴장감을 느 낄 수 있어 마니에리즘의 감성적 양식을 모두 나타 내고 있다. 바로크 건축가 보로미니는 카라바조의 극적인 대비를 그의 건축물에서 잘 보여준다. 보르 미니가 설계한 <산타 아그네스 성당>(Table 1, 08) 의 외관은 심한 요철로 마치 움직이는 착각을 일으 키고 건축물 전체적으로 기복이 많아 응집력 있는
구조로 역동성을 느낀다(캐롤 2013).
18세기 계몽주의 철학의 영향으로 이성과 논리 를 중시하는 신고전주의 미술이 강력한 지지를 받 기 시작했다. 감성에 호소하는 색채보다 이성에 호 소하는 소묘의 선을 더 중요시했다. 다비드와 앵그 르를 중심으로 하는 신고전주의 미술은 엄격하고 분명하게 소묘하며 원근과 붓자국이 보이지 않아 화면이 매끈하다. 로코코의 복잡한 사선구성을 피 하고 불규칙한 곡선대신 직선과 비례를 중시하여 단순환 구성을 선호한다. 앵그르가 그린 <드 브로 그리 왕자비의 초상>(Table 1, 04)은 붓자국 없이 섬세하게 표현한 머릿결, 피부, 옷 주름으로 사진 과 같이 정확하게 대상을 그리고 있다.
신고전주의 미술에 반발하여 일어난 동시대 미 술 양식인 낭만주의는 감수성을 중시한다. 신고전 주의의 이성적인 객관성보다는 감성과 직관에 의 존했고 자신의 열정이 이끄는 대로 극한을 추구했 다. 들라크루아의 <사르다나팔루스의 죽음>(Table 1, 09)은 바이런의 시에서 모티브를 얻은 작품으로 불꽃과도 같은 배경, 역동적인 인물, 강렬한 색조, 생생한 명암대비로 낭만주의 미술의 열정을 느낄 수 있다(캐롤 2013).
영국 낭만주의의 대표적인 풍경화가인 콘스터블 과 터너는 동시대인으로 서로 극명하게 대비되는 그림을 보여준다. 콘스터블의 풍경화는 자연을 이 상화하지 않고 있는 그대로의 실제 모습을 표현하 는데 충실했다. 그의 작품 <건초마차>(Table 1, 05)는 오래된 집과 다리, 마차와 숲 등 영국 시골 에서 흔히 볼 수 있는 풍경을 묘사한 조용하고 평 화로운 표현인 것과 대조적으로 터너의 <비, 증기, 그리고 속도감-위대한 서부행 철도>(Table 1, 10) 는 휘몰아치는 폭풍우와 같은 증기기관차의 연기 와 거칠게 그려진 배경으로 열차의 속도감과 역동 적인 순간을 잡아내고 있다. 터너의 풍경은 추상에 가까운 역동적인 화면과 산불, 폭풍우, 안개와 같 은 드라마틱한 주제를 선호했다.
2.3. 모더니즘 미술사에서 이성과 감성적 표현 입체주의는 폴 세잔느의 ‘선영법’과 아프리카 흑 인 예술에 영향을 받아 자연을 원통, 구, 원추 등 입방체로 나누어 단순화하고 의도적으로 화면을
Picture No/Artist/Title/Year Picture No/Artist/Title/Year
01
Pablo Picasso/
Partrait of Ambroise Vollard/
1910
05
Henri Matisse/
Red Room (Harmony in Red)/
1908
02
Constantin Brancusi/
Torso of a Young Man/
1917
06
Henry Moore/
Reclining Woman/
1951
03
Theo van Doesburg/
Counter-Composition XIII/
1924
07
M. Chagall/
Bride with Blue Face/
1932
04
Frank Stella/
Star of Persia II/
1967
08
Jackson Pollock/
Cathedral/
1947
Table 2. Reasonable and Sensitive Expression in Modernism
왜곡하였다. 전통적인 원근법과 명암법 그리고 다 양한 색채로 현실적으로 묘사하는 야수주의에 반 대하여 사물을 보는 시점을 복수화하거나 녹색이 나 황갈색 등 제한된 색상을 사용하여 몇 가지 형 태로 추상적으로 표현했다(김 2003).
입체주의 작가들은 재현적인 면과 추상적인 면 사이의 균형을 맞추는 작업을 고심하였다. 대상을 구성 요소로 해체하면서 대상 자체를 암시하는 의 도적인 요소들로 화면을 구성했다. 입체주의의 첫 번째 단계는 분석적 단계인데 사물의 형태를 분석 하고 수많은 파편으로 분할해 화면을 구성한다. 피 카소의 <앙부루아즈 볼라르의 초상>(Table 2, 01) 이 분석적 입체주의의 대표작이다. 입체주의의 두 번째 단계는 종합적 단계로 콜라주, 오브제, 강한 색상, 장식적 형태를 동원하여 대상을 더욱 단순화
하여 추상에 이른다. 브라크의 <바이올린과 파이 프>에는 단순화된 현악기와 신문과 잡지가 동원되 었고 피카소의 <화실>은 강한 색상과 반복된 기하 학적인 선들로 구조를 통합하고 있다(캐롤 2013).
현대조각의 대표자로 인정받는 콘스탄틴 브랑쿠 시는 핵심 이외의 모든 세부묘사를 생략하여 감추 어진 근본적 형상(shape)을 표현하려고 노력한다.
사물을 달걀, 둥근 조약돌, 유리 조각과 같이 몇 개의 기본적이고 보편적인 형상으로 표현하여 자 연에서의 근본적이고 핵심적인 본질을 찾아내려고 했다. 브랑쿠시의 작품 <공간 속의 새>, <남자의 흉상>(Table 2, 02)은 조각이 알아 볼 수 있는 영 상보다는 자연을 단순화시켜 응집된 핵심을 포착 한 것이다(캐롤 2013).
몬드리안의 신조형주의 역시 입체주의와 신지학
에 영향을 받아 탈자연화 되고 엄격한 기하학적 추상을 시도하였다. 자연의 모든 재현적인 요소를 없애고 수직선과 수평선, 빨간색, 파랑색, 노란색 과 무채색만으로 조형의 본질을 표현하였다. 몬드 리안은 ‘자연은 불쾌하고 무질서한 것이므로 자연 에서 결여된 기계적인 질서와 정확성으로 표현하 는 새로운 스타일을 추구한다.’라고 주장하며 그는 대부분의 작품 구상 시 생동감은 수직선으로 평온 함은 수평선으로 서로 교차, 표현하여 역동적인 평 온함을 나타냈다. 또 삼원색과 무채색만으로 불평 등한 균형, 그러나 평온한 대칭이 되도록 치밀하게 계산된 화면을 표현했다(캐롤 2013). 테오 반도스 부르그의 <역구성 XIII>(Table 2, 03)은 구성주의 작가 리시츠키의 영향으로 데 스틸의 특징인 수직- 수평의 도식을 배제하고 대각선과 격자 형태를 충 돌시킴으로써 화면의 역동성을 더 강조하고 있다 (노버트 1993).
미니멀 아트 역시 작가의 의도가 계획적으로 개 입된 이성적인 전개과정을 가지고 있다. 미니멀 아 트는 극단적인 간결성과 기계적인 정밀함으로 대 상을 결정체로 단순화시켜버리는 20세기 초의 추 상에서 시작한다. 금욕적이리만큼 절제된 양식과 극도로 단순화된 제작방식을 채택하여 실제와 본 질을 강조한다(월간미술 1999). 미니멀 아트는 실 내, 외의 거대한 조각에서부터 분리된 형태요소들 을 배열한 작품에 이르기까지 넓은 영역을 포함하 고 있다. 배열은 형태와 공간의 관계, 단순한 형태 를 미리 계획된 법칙이나 체제에 따른 전개나 변 화를 작품의 본질로 표현한다(노버트 1993). 엘스 위스 켈리의 <푸른색, 붉은 색, 녹색>은 날카롭게 잘려진 색면 덩어리로 화면에서 튀어나오는 듯한 착시효과를 의도적으로 표현했고 프랭크 스텔라의
<페르시아의 별2>(Table 2, 04)는 흰색 선으로 분 리된 짙은 스트라이프 무늬들로 자신의 스타일을 정착시켜 나갔는데 개성을 의도적으로 배제하기 위해 상업용 페인트와 금속성 안료를 사용했다(캐 롤 2013).
야수주의는 20세기 초 프랑스에서 일어난 혁신 적인 회화운동으로 이론적인 운동이라기보다 색채 를 강렬하게 추구한 화가들의 자연발생적 그룹이
다(월간미술 1999). 야수주의 창시자 마티스는 대 상에서 기본적인 요소만 남겨 놓고 불필요한 것은 모두 제거하였다. 본인은 그의 기법을 ‘감각을 응 축시켜 그림을 구성한다’라고 설명한다. 동시대 인 물 피카소와 최대의 라이벌 관계에 있던 마티스는 대상을 단순화하는 기법은 입체주의와 함께하고 있으나 색상과 화면 구성에서는 입체주의와 뚜렷 이 구분 짓도록 애썼다. 입체주의가 갈색과 녹색, 회색만을 제한적으로 사용하고 기하학적 면을 즐 겨 사용하는데 비해 마티스는 입체주의와 대조적 인 색상이나 다양한 색을 사용했고 유기적인 면으 로 부드러운 화면을 추구했다. 마티스의 <붉은 방>(Table 2, 05)이나 <춤> 연작에 잘 나타나 있 다(캐롤 2013).
초현실주의는 문학예술 운동으로 이성의 지배를 거부하고 비합리적인 것, 의식 아래의 세계를 표현 하는 예술 혁신 운동이다. 어떠한 수단에 의해서든 사유의 현실을 표현하려는 오토마티즘(Automatism) 즉, 이성에 의한 아무런 통제 없이, 미적⋅도덕적인 선입견 없이 행해지는 사유를 표현하는 것이다. 이 성과 의도적인 통제의 지배를 거부하려는 시도는 다양하게 표현되었다. 데 기리코는 환상적이면서 기이한 공간을 그렸고 샤갈은 프로이드의 이성의 통제를 뛰어넘어 잠재된 충동과 상상을 표현했다 (월간미술 1999).
초현실주의자 장 아르프와 호앙 미로의 영향을 받은 헨리 무어의 작품은 조개껍질, 조약돌 뼈 같 은 자연물을 모티브로 재료의 질감을 존중하여 나 무나 돌, 청동 자체의 아름다움을 나타내려고 노력 했다. 무어의 <누워있는 인물>(Table 2, 06)은 단 순화 과정에서 인체의 아름다움을 유기적인 조형 으로 재구성 된다. 초현실주의 초기 작가로 알려진 마르크 샤갈은 야수주의의 강렬한 색채와 입체주 의의 복합적인 공간 묘사를 채용하여 어린 시절 고향의 아름다운 추억과 꿈을 표현하였다. <푸른 얼굴의 여인>(Table 2, 07)은 동물과 꽃, 신부와 연인, 광대가 있는 마을 축제를 복합된 주제와 구 도, 강한 색조와 흐르는 듯한 화면 구성으로 아름 답게 그려냈다(캐롤 2013).
추상표현주의는 칸딘스키와 클레의 초기 작품에
Greek Philosophy,
Platon
The Middle Age, Sicence
& Christian
Illuminism Resonable rationalism
Abstraction Neoplasticism Constructivism
Modernism Geometric Style
Table 3. Block Schmatic Diagram of Reasonable Elements
사용한 용어로 초현실주의의 자동기술법에서 한 단계 더 강하게 표현하였고 후기에는 차가운 추상 이나 뜨거운 추상에 혼용되었다. 드 쿠닝, 클라인 등의 작품과 같이 형상성을 가진 작품들과 폴록, 뉴먼, 로스코 등 형상성을 거부하는 작품들로 구분 되나 두 그룹은 공통적으로 지시성과 방향성, 비기 하학적, 유기적, 무정형, 무질서의 특징을 모두 보 여주고 있다(월간미술 1999). 잭슨 폴록의 <대성 당>(Table 2, 08)은 벽화 사이즈의 추상회화로 작 가의 심리상태를 반영한 시각적 에너지를 표현한 것인데 물감을 붓거나 흩뿌리는 작업을 통하여 물 결 같은 시각적 리듬이 겹쳐 보이는 혼란 속에서 작가의 감정과 진실을 발견한다. 바네트 뉴먼은 가 장 급진적인 추상화가로 2, 3개의 색면의 경계를 가느다란 스트라이프 무늬로 나누고 있다. 그의 작 품 <계약>은 벽면 가득한 크기로 붉은 색의 텅빈 공간을 긴 두 줄의 스트라이프로 완화시키며 빛으 로 가득한 공간을 무아지경에서의 혼돈으로 표현 했다(캐롤 2013).
3. 디자인에서 이성적 개념과 전개 방법
3.1. 디자인에서 이성적 개념
이성(理性)은 개념적으로 사유하는 능력을 감각 적 능력에 상대하여 이르는 용어이다. 이성적인 행 위는 사물을 분석하거나 분질을 추구하고 의도적 인 표현을 합리화하는 요인을 가지고 있다. 1851 년 런던의 세계 산업박람회 이후 19세기 동안 미 국과 독일의 산업은 영국보다 훨씬 뒤졌으나 기계 미학 수용으로 두 나라의 공업은 비약적으로 발전 을 이룩했다. 독일의 기계미학은 미국의 생물학적 유기적인 양식과 달리 표준화를 우선적으로 수용 하되 기하학적인 양식을 합리적인 미학적 가치로 인정하였다. 독일의 기계미학은 당시 유행했던 곡 선적인 아르누보 양식보다 영국 찰스 맥킨토시와
비엔나 분리주의 양식을 근대 기업을 육성하는데 유리한 이념으로 받아들여 성공한다(정 1991). 피 터 베렌스, 미스 반데 로에, 그로피우스 등 독일 공작연맹 디자이너들은 AEG 창업주 에밀 라데나 우와 함께 AEG의 건물과 제품, 홍보용 그래픽디 자인 등 디자인 활동을 시각적 통일, 안정적인 생 산과 품질에 기반을 두고 판매 증대와 함께 풍요 로운 대중 생활에 기여토록 했다(정 1991).
디자인에서 이성적인 개념은 독일 공작 연맹의 시각적 통일, 안정적인 생산과 품질 유지를 목표로 하며 ‘데 스틸’에서 추구한 형태, 색상, 질감, 등에 서 극한 대비를 보여주어 자연의 재현을 지양하고 자연의 본질을 시각화하려는 의도를 구체화한다.
20세기 초의 산업에서 이성적 기계미학은 최고의 가치로 판단했고 산업 현장에서 적용할 수 있었던 모든 조형적 요소를 실험하여 단순화하고 기능적 인 형태로 조형적 극한을 보여준다. 입체주의의 분 석적 해체, 신조형주의의 엄격한 절제, 구성주의의 의 합목적적인 재구성을 통하여 사물을 분석하거 나 의도적인 표현을 합리화하여 본질을 추구하는 인간의 이성적 욕구를 충족시키고 있다. 또 극단적 인 간결성과 기계적인 정밀성으로 본질적이고 단 순화된 결정체를 만들어내어 대규모 비즈니스에 적합하고 경제적인 개념에서 합리적인 인간의 이 성적 활동을 보여주었다.
3.2. 기하학적인 디자인에서 이성적 요인의 전개 기하학적 디자인은 ‘데 스틸’의 추상양식을 수용 하고 기하학적인 입체를 모티브로 한다. 자연의 재 현을 엄격하게 배격하고 자연의 본질을 시각화하 려고 다양한 시도를 한다. 사물을 분석적으로 해체 하고 단순화하여 필요한 대로 왜곡을 시도하였다.
형태, 색상, 질감 등에서 극한 대비를 보여주며 의 도적인 화면 구성이나 기능적인 입체로 변환을 시 도한다(김 2003). 몬드리안의 ‘데 스틸’ 역시 입체
Picture No/Designer/Title/Year Characteristic R/M
01
Walter Gropius/
Bauhaus in Dessau/
1925-26
통일감으로 인지적 안정/ 형태, 색상, 질감에서 대비/ 단순화하고 기능적인 형태
바우하우스 기하학적 모더니즘
02
Gerrit Rietveld/
Red & Blue Chair/
1917
통일감으로 인지적 안정/ 방향성, 형태, 색상, 질감의 극한 대비/
엄격한 절제/ 조형의 합목적적 재구성
데스틸 기하학적 모더니즘
03
Marcel Breuer/
Wassily Chair/
1925
극단적인 간결성/ 기계적인 정밀성/
실험적 재료 구성/ 극단적 기능주의
바우하우스 기하학적 모더니즘
04
Marianne Brandt/
Tea pot/
1924
극단적인 간결성/ 기계적인 정밀성/
정교하고 매끈한 표면/ 조형의 합목적적 재구성
바우하우스 기하학적 모더니즘
05
Fanizon and Martinelli/
I-Ching/
1995
공간, 부피, 색상만 표현/ 시각적 통일/
형태, 색상, 질감, 등에서 극한 대비
미니멀리즘 기하학적 모더니즘
Table 4. Reasonable Elements in Modern Design
주의와 신지학에 영향을 받아 탈자연화되고 엄격 한 기하학적 추상을 시도하였다. 자연의 모든 재현 적인 요소를 없애고 수직선과 수평선, 빨간색⋅파 랑색⋅노란색과 무채색만으로 조형의 본질을 표현 하려고 시도하였다. 신조형주의 이론은 1921년 ‘신 조형주의, 조형적 등가의 일반 원리’라는 소책자를 발간하여 독일 디자인학교 ‘바우하우스’의 교재로 사용되었고 모더니즘 초기의 ‘콘크리트 아트’에 접 목이 된다. ‘데 스틸’은 기하학적 형태와 삼원색을 기본적인 조형요소로 구성한 이론을 조형예술 전
분야에 적용하였다. ‘데 스틸’ 멤버였던 리트벨트 는 <슈뢰데 하우스>와 <적청의자>(Table 4, 02) 를 통하여 ‘데 스틸’의 이상을 가장 충실하게 적용 하였다(고 2000).
그로피우스는 바우하우스의 교육 목표를 표현주 의 보다는 구성주의 방향으로 생각하고 칸딘스키와 이텐을 바우하우스에 참여하게 한다(사노 1998).
또 ‘데 스틸’의 이론과 ‘게스탈트 이론’을 수용하여 전체를 보는 눈을 중요시하여 총체 예술의 이념을 수용하였다(정 1991). 구성주의 조형 이론은 금속,
Perception of 5 sense in Buddhism
Epistemology of Kant
Freud Automatism
Abstraction Expressionism
Surrealism
Modernism Organic Style
Table 5. Block Schmatic Diagram of Sensitive Elements
유리, 판지, 나무, 플라스틱 등의 재료를 혼용하며 양감보다는 공간을 중시한다. 또 재료가 지니고 있 는 본질적 속성에 의거하여 조형이 구축된다고 주 장한다. 구성주의의 순수조형의 추구는 입체주의 에서 시작되어 기하학적 추상과 테크놀로지 아트 에 직접적 영향을 미친다(월간미술 1999).
그로피우스는 르 꼬르뷔제와 오장팡이 창간한 잡지 ‘에스프리 누보’의 순수 추상주의 영향으로
<바우하우스 뎃사우 교사>(Table 4, 01)를 설계하 였고 구성주의 멤버였던 칸딘스키와 모흘리 나기 의 지도로 마르셀 브로이어와 마리안네 브란트는 순수 추상과 구성주의 이념에 충실한 <바실리 체 어>(Table 4, 03)와 <차주전자>(Table 4, 04)를 각각 디자인하였다(정 1991).
모더니즘 후기에 나타난 미니멀 디자인은 ‘대칭 적이며 규칙적인 모습’으로 표현에서 주관성을 억 제하고 원소처럼 궁극적으로 남게 되는 본질적인 요소 또는 본질적인 개념을 표현한다. 작가들은 사 용된 재료들이 그 자체로 이해되기를 원했고 구조 에서 발견되는 은유와 착각을 배제하기를 바랐다.
작품에 사용된 재료들로 구성된 구조에서 공간, 부 피, 빛, 색상만 지각되기를 원했다(최 2006). 미니 멀 디자인은 단순하고 절제된 미학과 엄격하고 확 고한 기하학적인 조형세계를 보여준다. 미니멀 디 자인에는 미니멀 아트가 추구하였던 극단적 간결 성과 기계적인 정밀성, 단순화한 결정체와 본질적 인 조형 요소를 남겨두고 있다. 미니멀 디자인은 20세기 말에 다시 가구 시장에 조심스럽게 나타났 고 파니존과 마르티넬리의 <벽장, I-Ching>(Table 4, 05)은 미리멀리즘의 특징을 잘 보여주고 있다 (김 2003). 기하학적인 모더니즘 디자인은 탈장식 의 혁신을 통하여 대규모 비즈니스와 잘 결합된 디자인 개념인데 대규모 제조업들이 수용하여 능 률적인 생산에 최적화하였다. 독일 공작연맹에서 시작되어 프랑스의 순수주의, 러시아의 구성주의
이념을 거치는 동안 표준화된 형태, 기하학적 순수 성과 합리성으로 대량 생산 체제에서 미적 특성을 부여해주었고 그 이념은 모든 제품 생산현장과 시 장에서 실증되었다. 기하학적 모더니즘 디자인은 인플레이션이 생기고 물가가 오르는 산업 경제사 회에서 가장 안정적이고 효율적인 생산시스템을 유지해주었다(정 1991).
4. 디자인에서 감성적 개념과 전개
4.1. 디자인에서 감성적 개념
감성(感性)은 자극에 대하여 느낌이 일어나는 능 력이며 철학에서는 감각적 자극이나 인상(印象)을 받아들이는 마음의 성질을 말한다. 인간이 경험하 는 모든 감각은 말초신경을 통하여 두뇌에 지각되 는데 외부로부터 인지된 물리적 자극은 인간의 내 부의 심리적 반응으로 쾌적감, 안정감, 고급스러움, 편리함 등 복합적인 감각을 유발한다(차 2006). 이 때 인간의 심리 상태와 주변 환경에 의해 같은 대 상이지만 다양하고 복합적인 표상으로 수용된다.
소비자의 욕구가 다양해지고 개성화됨에 따라 소 비자의 감성적 욕구를 디자인에 도입하기 시작하 였는데 이를 감성적 디자인 즉, 감성디자인이라 한 다. 산업과 경제 환경이 고도로 성장함에 따라 제 품의 물질적인 가치보다는 정신적인 가치를 중시 하여 새로운 것을 지속적으로 요구하는 소비자가 많아졌기 때문이다(이&김 2012).
디자인에서 감성적인 개념은 생물 형태적인 모 습, 일그러진 자유 곡선의 유기체적인 형태로 나타 나며 무정형의 흐느적거리는 형태, 비정형의 자유 로운 형태로 전개된다. 유기적인 디자인은 비례, 리듬, 다양성 등이 내재된 자연 환경에 적용할 수 있는 외형과 그 내적인 복합적인 구조로 시각적 우아함을 갖는다.
Picture No/Designer/Title/Year Characteristic R/M
01
Le Cobusier/
Notre Dame du Haut von Ronchamp/
1950~54
환경과의 조화로 인지적 안정/ 무정형/
비정형/ 자유로운 형태/ 우아한 유선형
순수주의 유기적 모더니즘
02
Charles Ormond Eames/
LCW chair/
1945
부드럽고 우아한 유선형/ 비례, 리듬, 다양성/ 자유로운 형태
유기적 모더니즘
03
Marcello Nizzoli/
LexiKon 80, Olivetti/
1948
광택으로 매끈한 표면/ 정교하고 정확한 마감/ 우아한 유선형
유기적 모더니즘
04
Verner Panton/
Panton chair/
1959
유선형으로 시각적 우아함/ 매끈한 표면/
정확한 마감/ 부드러움
유기적 모더니즘
05
Carlo Mollino/
Arabesco_Tea table/
1949
초현살적인 형태/ 흘러내리는 듯한 스트림 라인/ 유기적인 역동감
유기적 모더니즘
Table 6. Sensitive Elements in Modern Design
4.2. 유기적인 디자인에서 감성적 요인의 전개 디자인에 있어서 생물의 형태를 모티브로 하는 조형이나 시스템을 말한다. 디자인 양식사에서 기 하학적 추상주의에 대비되는 양식으로 자연적 형 태의 곡선 이미지를 많이 수용하는 디자인이다(고 2000). 유기적 디자인은 당시 미술계의 큰 주류였 던 초현실주의 미술과 스칸디나비아 디자인의 영 향을 받았다. 초현실주의 미술의 목적은 일상의 세 계보다는 꿈의 이미지나 몽환 상태와 같은 무의식 을 통해 현실세계에 대한 고정관념을 배제하고 작 가의 무한한 상상력을 확장시켜 새로운 표현수단
을 찾도록 하고 있다. 초현실주의는 이성의 지배를 받지 않는 공상⋅환상의 세계를 중요시한다. 따라 서 일반적으로 초현실주의는 사실주의나 추상예술 과는 대립되는 것으로 간주하기 쉬우나, 반드시 그 런 것은 아니다. 예를 들면 달리의 작품 속에서 찾 아볼 수 있는 세밀한 묘사력은 사실(寫實)의 극치 라고도 할 수 있으며, 또 A.마송, J.미로, M.에른 스트의 작풍에도 추상화의 경향을 볼 수가 있다.
초현실주의 작가들은 프로이드의 정신분석학을 이 용하여 현실 세계를 나타내기 위해 구체적인 인식 방법으로 ‘자유연상법’, ‘최면술’, ‘압박술’ 등을 사
용하였다. 인간의 정신세계를 보다 심층적으로 분 석하기 위해 꿈의 현상에 주목했던 프로이드는 인 간의 꿈이나 실언 등의 무의식적 행위는 어떤 억 압된 것의 표출이라고 보았다. ‘도덕’이나 ‘미학’과 같은 모든 이성의 통제가 없이 발휘되는 표현, 즉 브르통이 정의한 ‘자동기술법’에 근거한 조형예술 이 포함된다(윤 1994).
유기적인 디자인은 ‘생물 형태적인 모습(Biomorphic look)’의 유기체적인 형태 혹은 일그러진 자유 곡 선이 많은 디자인이다(김 2014). ‘무정형의 흐느적 거리는 형태’라든가 ‘비정형의 자유로운 형태’로 표현되고 있다. 유기적인 형태는 비례, 리듬, 다양 성 등이 내재된 자연 환경에 기능적 측면에서 적 용할 수 있는 외형과 그 내적 의미를 분리시킬 수 없는 복합적인 구조를 갖는다(신 2002). 이는 유기 적인 구성요소들이 주변 환경과 어울려 상호관계 를 이루고 인간의 인지과정에서 안정된 관계를 유 지했을 때 유기적인 디자인으로 수용되었다. 2차 세계대전 이전 미국으로 이주한 크랜브룩 아트 아 카데미를 중심으로 스칸디나비안 예술과 앵글로 색슨의 정신을 교육했는데 순수미술과 산업디자인 의 연계로 유토피아적 사회를 이상으로 하였다. 이 학교를 졸업한 레이 임즈와 찰스 임즈, 해리 버토 이어와 플로렌스 놀 등은 미국 디자인 산업을 견 인하는 주요 인물이 된다(페니 1995). 찰스 임즈는 1941년 뉴욕 근대미술관 주최로 열린 ‘오가닉 디 자인 설계공모전’에 사리넨과 함께 성형합판 의자
<LCW 체어>(Table 6, 02)를 출품하여 대상을 받 았고 1946년 뉴욕 근대미술관에서 개최한 ‘가구신 작전’에서도 성공하여 유기적인 디자인시대를 예 고했다.
1930년 이후 강철이나 목재를 휘는 기술의 지원 으로 초현주의 미술과 스칸디나비아의 자연을 닮 은 디자인 제품을 생산하는데 유리했고 1932년 노 먼 벨 게데스가 출간한 <지평선, Horizons>의 ‘유 선형 이론’으로 전 산업 분야로 확산되었다.
섬유, 도자기, 가구 분야뿐만 아니라 전화기, 라 디오, 타자기, 비행기, 고속버스 등 모든 공업제품 과 교통수단에도 유선형이 유행했다. 세계대전 이 후 경제 회복에 따라 미국에서 시작한 유선형에
대한 유행은 유럽대륙까지 전해졌다. 산업디자인 모든 분야를 비롯하여 건축분야에도 흘러내리는 듯한 스트림 라인을 채용하게 되었다. 프랑스 건축 가 르 꼬르뷔제의 <롱샹성당>(Table 6, 01)은 ‘노 아의 방주’를 컨셉으로 선박의 우아한 유선형을 지 붕으로 올렸고 이태리 디자이너 마르첼로 니촐리 는 올리베티사의 엔지니어 주세페 베치오의 금속 주형기술을 이용하여 끊임이 없는 매끈한 곡선형 타자기<렉시콘 80>(Table 6, 03)을 선보였다. 금 속과 목재에 이어 플라스틱 성형기술이 개발되어 이에로 사리넨의 의자와 베르너 팬톤의 의자
<Panton chair>(Table 6, 04)와 같은 다양한 플라 스틱 가구도 이 시기에 등장한다. 유선형 디자인의 특징은 정확한 마감처리, 광택이 있는 표면, 장식 이 배제된 재료감각의 직접적인 표현, 과거 양식, 기하학적 모더니즘 이론에서 벗어난 자유로움이다.
대중들은 유선형이 주는 스피드 감보다 기하학적 인 디자인에서 볼 수 없었던 시각적인 우아함, 즉 심리적인 특성을 더 선호한 것이다.
가구디자인에 나타나는 초현실주의적인 표현은 의인화 표현, 조각적 표현, 사실적 표현, 유기적인 표현으로 나타난다. 살바도르 달리는 <레다 팔걸 이의자>와 <매 웨스트>를 그의 회화 작품 속 소 품으로, 컬트 젤리그만의 <울트라 가구>는 실제 인체를 의인화하여 디자인하였다. 지오 폰티의
<Cabine Bookcase>는 다다이스트의 착시효과를 이용한 사실적인 표현을 보여주었고 카를로 몰리 노의 <Tea-Table>(Table 6, 05)은 초현실주의 작 가들이 즐겨 사용하는 생체 표현(bio morphic)으 로 유기적 형태를 보여주고 있다(강 2011). 아트퍼 니처는 인간과 사물 사이의 감성적 관계에 집중, 인간의 삶에서 예술품과도 같은 감성적 경험을 제 공하는 매개물로서 역할을 한다. 아트퍼니처의 감 성적 기능은 가구의 기능에 대한 사용자의 인식이 기술적 차원과 정신적 차원(감각⋅행동⋅정서적 작용을 포괄하는 가구의 새로운 가능성)이 통합된 개념을 보여준다(최 2009). 아트퍼니처의 감성적 기능의 본질은 아트퍼니처 경향을 새로운 직관과 감성의 실험을 위한 유형, 사용자의 행동 참여를 통해 새로운 관계구도를 제안하는 유형, 정서적 반
향과 성찰을 이끄는 가구의 유형으로 구분하고 있 다. 새로운 직관과 감성의 실험을 위한 유형에서는 다양한 시각적 호기심, 상상, 유희의 감정을 경험 할 수 있고 사용자의 행동 참여를 통해 새로운 관 계구도를 제안하는 유형에서는 가구의 특성에 대 한 스스로의 조작과 참여를 통해 야기되는 적극적, 능동적 사용자의 역할의 즐거움과 성취감을 느끼 도록 해준다. 또 정서적 반향과 성찰을 이끄는 가 구의 유형은 개인적 이미지, 만족감, 기억, 관객과 의 공감대가 남겨진다.
실내디자인에서 감성적인 표현은 키치적인 요소 를 표함하고 있다. 키치는 19세기 말 뮌헨의 예술 가들 사이에서 유행되었다. 고결함의 결여를 나타 내는 듯이 보이는 그림과 감상적인 중산층들의 동 경심을 만족시키는 그림의 비판적인 의미로 사용 되었다(월간미술 1999). 로젠버그에 의해 산업사회 어디서나 볼 수 있는 값싸고 감상적이고 흥미로운 복제품이 예술품으로 수용되어졌다. 공간 전체에 유기적인 곡선을 넣어 역동적인 곡선과 유기적인 곡선이 가구들과 어우러져 시각적 왜곡으로 다양 한 공간적 체험을 얻도록 하고 있다(원 2012).
5. 마케팅 환경과 인간공학 인지적 특성
5.1. 마케팅 환경 요인
20세기 디자인 양식의 변화는 시장의 발전 단계 와 무관치 않다. 마케팅에서는 시장의 발달 단계를 생산 지향단계, 상품 지향단계, 판매 지향단계, 마 케팅 지향단계, 사회적 책임 및 인간 지향단계로 분류하는데 기하학적 모더니즘이 유행했던 시기는 생산 지향단계와 상품 지향단계였고 유기적인 스 타일로 대중의 기호가 변화된 시기는 판매지향 단 계에서 마케팅 지향단계까지 지속되었다. 생산 지 향단계는 20세기 초로 생산품과 구매력이 없었고 생산 능력이 부족하였다. 재봉틀, 타자기, 자전거, 자동차 등 모든 신제품이 발명되기 시작하였다. 생 산이 기계화되고 노동이 분업화되면서 인구가 증 가하였고 대자본이 축척되기 시작했다. 상품 지향 단계는 대량생산 시스템이 구축되고 상품의 품질 향상을 위한 기술이 정착되어가고 있었다. 인구가
증가됨에 따라 주택보급이 확대되고 가구, 자동차 생산에 주력하였다. 여가시간이 증가됨에 따라 카 메라, 라디오, 텔레비전, 녹음기 제품이 개발된 시 기였다. 모든 제품이 양산에 적합한 기능적이고 장 식이 배제된 단순한 형태가 지속되었다.
2차 세계대전 전후로 경기가 회복되어가면서 시 장은 빠르게 판매 지향단계로 전환되었다. 양산 시 스템에 의한 생산능력이 향상되어 시장에서 수요 창출에 모든 기업 활동이 집중되었다. 적극적인 판 매를 위해 과대한 광고와 판촉활동에 주력하였다.
광고 산업이 성장하기 시작한 시기였고 백화점이 증가하여 상류층 지위에 맞는 사치품 소비를 부추 기기 시작한 것도 이 시기였다. 시장을 세분화하기 시작했고 새로운 수요를 찾기 위해 제품의 스타일 까지도 바꾸어야 했다. 2차 세계대전 이후의 세계 경제의 중심지로 부상한 미국의 디자인은 새로운 스타일로 스트림 라인을 강조하는 노먼 벨 게데스 의 저작 <지평선>에 주목한다. 판매 지향단계에 와서는 이미 생활에 더 필요한 상품과 더 요구되 는 기능은 없었다. 상품의 공급 충족과 질적 충족 을 넘어 고객의 만족을 위한 상품이 만들어져야 했다. 디자인의 스타일을 유기적인 스타일로 바꾸 어야 했고 이 스타일은 시장에서 받아들여지게 된 다. 노먼 벨 게데스를 비롯하여 월터 도윈 티그, 레이몬드 로위, 헨리 드레이퍼스, 버크민스터 풀러 등 많은 미국의 디자이너들이 디자인 사무실을 열 어 유기적인 모더니즘에 동참하였고 이 시기에 자 동차 회사 ‘GM’도 헤일리 얼을 책임자로 사내 디 자인실을 설치하여 수많은 유기적 스타일의 자동 차 개발을 시작하였다(정 1991).
5.2. 인간공학의 인지적 특성 요인
모더니즘 초기의 미술가들은 어려운 시기였다.
절대적 후원자였던 왕족은 몰락했고 교회의 후원 도 없었다. 세기말에 발명된 사진기가 상업화되어 더욱 시련은 심각했다. 자연의 재현과 사실적인 묘 사는 무의미했기 때문에 겉으로 보이는 세상 모습 뒤에 숨어 있는 원칙이나 시각적인 매력적인 가치 를 찾아내려고 시도한다. 모든 형상의 속에는 본질 적이고 기본적인 형태와 구도가 있으며 이는 사진
기가 따라 올 수 없는 영역이라 생각했다. 우선 자 연의 불필요한 것을 제거하고 사물을 직선적이고 단순하게 표현했다. 세잔느와 말레비치의 많은 작 품은 직선으로 화면을 가득히 메우고 있고 말레비 치의 추상에서 사물의 형상은 사라져 버린다. 칸딘 스키, 몬드리안, 바넷 뉴먼, 엘스워스 켈리 등과 같 은 모더니즘 작가들도 직선에 매료되었다. 이들은 객관적이고 보편적인 형태를 탐구하는 과정에서 모든 형태는 소수의 기본적인 형태소로 환원될 수 있다고 믿었고 이 보편적인 형태소는 직선이라 판 단했다.
디자인 양식 중에는 정서적인 안정과 가치의 지 속성을 위해서 유기체적 질서를 강조하는 스타일 도 있다. 나뭇잎, 어패류, 동 모든 생물체들은 유기 적인 구조를 하고 있고 그 연장선상에서 인간 역 시 유기체들의 본질과 현상에서 벗어날 수 없다.
자연의 구조로 디자인할 때 기능주의를 지향하는 자기동일성을 발견할 수 있고 형태적 법칙이든 경 제성의 법칙에 적응되는 유기적인 질서를 획득할 수 있다는 이론이 그것이다(함 2003).
쿠르드 레빈은 교육심리학에서 인간의 반응은 수식 ‘Behavior = f (Person x Environment)’로 정 의했고 루돌프 에른하임은 ‘인간의 감각기관은 인 지 자체를 위한 도구가 아니라 생존을 위한 생물 학적 기능을 우선해서 진화되어왔다.’라고 주장한 다. 외부 자극에 대한 반응(B)은 개인적인 요인(P) 과 환경적 요인(E)에 의해 결정되는데 지각의 특성 은 생존에 중요하지 않은 외부 자극이나 반복되는 지각은 자연 소멸된다고 한다. 절대적인 가치, 충 격적인 자극으로 대중에게 각인된 기하학적인 지 각은 시간이 경과될수록 대중들의 자극의 강도는 떨어지고 본능적으로 다른 자극을 찾게 된다.
1930년대 판매 지향단계였던 미국 경기 회복기의 시장은 새로운 수요를 찾기 위해 스트림 라인을 강조하는 유기적인 스타일에 주목한 것이다.
6. 결 론
신고전주의까지의 미술에서는 이성과 감성에서 촉발된 양식이 동시대에 함께 공존했다. 19세기 말
까지 인류는 감성이라는 존재를 알지 못했거나 산 업과 마케팅 환경은 대량 생산과 대규모 판매에 편향되어 있었다. 레오나르드 다빈치, 미켈란젤로 와 같은 르네상스의 대가들은 사물의 객관적 정확 성을 표현하기 위해 선 원근법, 명암 대조법과 같 은 절대적인 원칙이나 표현 방법에 매달리는 동안 틴토렛토, 엘 그레코와 같은 작가들은 르네상스 대 가들의 과장된 아름다움과 장엄함을 대신해서 부 조화와 불균형과 무질서, 감성과 상상력에 의존한 마니에리즘 양식을 선택했다. 신고전주의의 앵그 르와 들라크루아, 낭만주의의 콘스터블과 터너 역 시 동시대인이면서도 이성적인 객관적 표현과 감 성과 직관에 의한 열정으로 대조를 이루면서 공존 했다.
그러나 모더니즘이 시작되는 20세기 초에는 이 성과 감성이 분리되어 부조화된 예술과 디자인 양 식이 나타난다. 과학적 발명으로 산업혁명을 이룩 한 초기 모더니즘은 이성중심 시대였고 ‘프로이드’
의 영향을 받아 오토마티즘을 중시하는 초현실주 의와 ‘소프트 파워’를 중시하는 후기 모더니즘은 감성중심 시대였다. 모더니즘 이후, 기하학적인 디 자인은 입체주의, 구성주의, 미래주의를 추종한 것 과 대조적으로 유기적인 디자인은 포스트모던이 나타날 때까지 야수주의와 표현주의, 초현실주의 와 추상표현주의를 맹신했다. 기하학적인 디자인 에서 이성적인 개념은 시각적 통일, 안정적인 생산 과 품질 유지를 목표로 하여 형태, 색상, 질감, 등 에서 극한 대비를 보여주었고 자연의 재현을 지양 하고 자연의 본질을 시각화한다. 산업 현장에서 절 대적 가치인 단순화되고 기능적인 형태는 조형적 극한을 보여준다. 엄격한 절제, 합목적적인 재구성 을 통하여 사물을 분석하거나 의도적인 표현을 합 리화함으로써 본질을 추구하는 인간의 이성적 욕 구를 충족시키고 있다. 극단적인 간결성과 본질적 인 결정체는 대규모 비즈니스에 적합한 이성적 활 동이었다.
디자인에서 감성적인 개념은 자연의 생물적 형태 를 모티브로 무정형의 흐느적거리는 형태, 자유 곡 선이 많은 일그러진 유기체적 형태이다. 유기적 디 자인은 당시 미술계의 큰 주류였던 초현실주의 미
술과 스칸디나비아 디자인의 영향을 받았다. 초현 실주의는 이성(理性)의 지배를 받지 않는 공상과 환 상의 세계를 중요시한다. 유기적인 디자인은 스칸 디나비안 예술과 앵글로 색슨의 정신을 교육한 미 국의 크렌브룩 아카데미의 영향도 있었다. 스칸디 나비안 예술의 특징은 흐느적거리는 형태, 자유 곡 선이 많은 무정형, 유기체적 형태의 디자인이었다.
두 디자인 양식이 교차된 시점은 마케팅의 생산 지향단계에서 판매 지향단계로 전환되던 시기였다.
안정된 생산으로 시장에서 공급이 과잉되자 적극 적인 수요 창출이 필요했고 판매 촉진을 위한 디 자인 혁신이 필요했다. 상품의 공급 충족과 질적 충족을 넘어 고객의 만족을 위한 상품이 만들어져 야했는데 이때 시장은 유기적인 스타일을 받아들 이게 된다. 직선적이고 기하학적인 조형이 절대적 가치로 보는 시각과 정서적인 곡선 위주인 스트림 라인의 유기적인 조형을 절대적으로 보는 시각은 있을 수 있지만 하나의 인성만 존재한다는 시각에 서 보면 인간의 정신에는 순응과 반항의 성향을 오간다는 것은 모순적이며 심지어는 위선적이기도 하다. 하지만 여러 개의 부분자아가 존재한다는 시 각에서 보면 순응과 반항이 오가는 행동은 논리성 에서나 일관성에서나 문제가 없다(더글러스 2014).
쿠르드 레빈과 루돌프 에른하임이 주장하는 것처 럼 외부 자극에 대한 반응은 환경적 요인이 결정 적이며 생존에 중요치 않은 외부 자극이나 반복되 는 지각은 소멸되고 항상 새로운 것을 갈구하게 된다.
참 고 문 헌
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